El vídeo fue el resultado de un encargo del Dalai Lama; en un “muro” formado por una proyección de 15 metros de largo donde podemos ver los rezos de 108 monjes budistas tibetanos. Este interés por el budismo y la espiritualidad aparece ya en algunas obras anteriores de Marina Abramovic, como en Nightsea Crossing Conjunction de 1983, donde invitó a Ngawang Soepa Lueyar, un Lama tibetano, a participar en la performance de cuatro días de duración, en la los cuatro performers, incluyendo a la propia artista, permanecieron en silencio durante todas las jornadas de la acción.

Para la exposición Nuevos Místicos, Kimsooja ha realizado una nueva versión de su instalación Mandala: Zone of Zero, esta vez la ha adaptado al claustro del monasterio de Santo Domingo en la ciudad de La Laguna, Tenerife, y ha eliminado los elementos visuales de la obra. Sólo quedan los cantos gregorianos, tibetanos e islámicos que forman la instalación sonora. Para Kimsooja, la instalación persigue crear una “zona cero” en el visitante, en la cual se produce la mezcla de los cantos de distintas religiones, un lugar central en el que no podemos distinguir entre los diferentes rezos.

Thomas Köner construyó la trilogía Périphériques en torno a las nociones de tiempo, historia y religión, desde tres puntos geográficos situados en tres continentes: Kabul, Belgrado y Buenos Aires. En ellos recrea una imagen fantasmagórica. Así, en la primera parte de la trilogía, utilizó un término budista para darle título: Annica, que significa volatilidad e inestabilidad, y refleja para Thomas Köner la forma en la que las distintas culturas difuminan sus fronteras. El artista se formó como músico y el trasvase entre banda sonora e imagen es un aspecto fundamental en toda su obra en vídeo.

Ksuta Maxim se graduó en el Instituto Tsiolkovskyl de Tecnología Aeronáutica (Moscú). Sus primeras tres series de trabajo (Cosmocopia, Cosmocopia 2 y Cosmocopia en Acción) reflexionaban sobre el Cosmos y en ellas partía de imágenes fotográficas y científicas de agrupaciones estelares. Su última serie, Caligrafía Celestial, reflexiona sobre el lugar del ser humano en las grandes religiones monoteístas. Partiendo de cuatro grandes textos sagrados: la Torá, el Corán y dos versiones de la Biblia, la Latina y la Ortodoxa, manipula los textos de forma que las páginas fotografiadas de forma sucesiva acaban generando la silueta de un ser humano. Esta silueta se sitúa sobre cada uno de los libros sagrados.

Tras una estancia de Pavel Mrkus en Japón el artista desarrolló una serie de obras donde realizó conexiones entre lo tradicional y lo contemporáneo, entre lo espiritual y lo material. El resultado de esto fue la vídeo instalación A Prayer of PW20/LW, en la que un robot en una fábrica tiene como banda sonora una sutra budista. La imagen del robot se desdobla lentamente y la voz única del rezo se convierte en una voz coral; transformando un universo material en otro inmaterial.

Francis Naranjo respondió al llamamiento a participar en este proyecto partiendo de su mirada como ateo. Resulta especialmente interesante esta referencia a la espiritualidad desde un punto de partida originalmente opuesto a la trascendencia. Vigilia es el título de una instalación que incluye un pequeño vídeo con banda sonora. El visitante debe entrar en una minúscula habitación donde una mesa, que hace de altar, sirve de soporte a tres pequeños monitores que van emitiendo en tiempo real la imagen del visitante y que se enfrenta de esta forma a su propio reflejo. Esta noción de intimidad vigilada aparece referida en otras de sus instalaciones como Red Time (2002), sin embargo aquí la iconografía se adapta para recrear un altar donde la imagen que se contempla es la propia, y donde el espectador es el otro.

Sang-Kyoon Noh inició su serie For the Worshippers en 1998. En esta serie utilizó imágenes de Jesús y Buda a las que cubrió con sus características lentejuelas. Sang-Kyoon Noh emplea las lentejuelas en todas sus piezas, ya sean lienzos o esculturas. Para el artista coreano representan las escamas que recubren los peces, y actúan como un símbolo poderoso, unido, entre otras ideas, al cristianismo. En los lienzos y objetos cubiertos de lentejuelas retoma la noción de abstracción, pero además aborda cuestiones de género al emplear un material vinculado sobre todo a lo femenino.

Aunque la obra Shahzia Sikander puede ser vista en general como una crítica y una deconstrucción de la imaginería tradicional de la India y Pakistán., esto puede ser cierto en sus dibujos sobre papel, pero en su obra en vídeo se producen interferencias que permiten otras lecturas. En la animación digital SpiNN, la conjunción de la composición musical y la presencia de los gopis o seguidores del culto de Krishna, hacen que estos nuevos elementos desactiven parcialmente esta crítica para imbuirnos en una experiencia totalizadora.

Bill Viola escribió en 1982 unas breves notas en las que explicaba el origen de su obra Anthem. Para el video-artista, “cada toma es un discreto ideograma, las tomas deben ser fijas y breves“. En este conjunto de líneas refería cómo además Anthem descansaba “completamente en una visión contemplativa”. En esta época Bill Viola había descubierto la obra de San Juan de la Cruz, y los vídeos que desarrolló en estos años responden a este impulso y al del budismo zen. La sucesión de los ideogramas en movimiento va acompañada del grito que de forma constante emerge de una niña en una estación de transportes.

Mark Wallinger ha analizado con insistencia el papel de la religión en la sociedad británica. En Threshold to the Kingdom un grupo de pasajeros emerge de las puertas de las llegadas internacionales en un aeropuerto londinense, mientras suena un extracto del Miserere de Allegri. En sus obras combina una mirada humorística e irónica con la crítica de los códigos sociales. El contexto religioso le sirve para realizar este tipo de comentario. Obras como Ecce Homo o Angel emplean la misma estrategia que Threshold to the Kingdom, al emplear de forma sutil iconos religiosos para referirse a otras cuestiones estructurales y sociales.

Todos los artistas seleccionados en la muestra asumen una tesis y unos presupuestos totalizadores, que poco tienen que ver el terreno de lo gris, del camino intermedio, sino de una apuesta radical que tiene que ver con la belleza y los sentidos. La belleza es progresista, es una fuerza extrema y contraria a lo reaccionario. La belleza está vinculada, siempre lo ha estado, al misticismo. Pero en todas las obras incluidas sí existe un hálito de experiencia, de belleza, de misticismo, o de crítica de la propia espiritualidad.

Según el comisario, Álvaro Rodríguez, “No hay que justificar que casi todas las obras de arte seleccionadas utilicen el vídeo como medio de representación. Pero sorprende la facilidad para encontrar autores que realizan este mismo tipo de reflexión desde el terreno del objeto escultórico. En la totalidad de los vídeos y video-instalaciones presentes la experiencia sensorial nos invalida de tal forma que llegamos a un hilarante grado de abstracción en la contemplación de la obra de arte”.